Рубрикация
- Гипотеза
- От традиции к вызову
- «Осторожно! Произведения искусства!»
- Заключение
- Библиография
1. Гипотеза
Искусство рубежа XIX–XX веков осуществило кардинальный разрыв с академической традицией. Модернизм, отвергнув многовековые каноны, породил новые художественные формы и новый тип художественного произведения. В отличие от классического искусства, ориентированного на миметическое воспроизведение и идеализацию действительности, модернизм сосредоточился на внутреннем мире творца, формальном новаторстве и пересмотре фундаментальных основ искусства.
Настоящее визуальное исследование направлено на анализ трансформации арт-объекта в эпоху модернизма и его влияния на понимание функций искусства, роли художника и его связи с предшествующей традицией. Каким образом художники-модернисты радикально меняли саму природу арт-объекта, оспаривая традиционные концепции картины, скульптуры, материала и пространства?
Гипотеза исследования состоит в том, что в модернизме объект становится произведением искусства тогда, когда его художественная ценность определяется не соответствием традиционным канонам, а новыми критериями — концептуальностью, формальной редукцией и экспериментом с материалом.
Центральным объектом изучения являются не просто авторы, а конкретные произведения, ставшие манифестациями новых идей.
Отсюда основной вопрос современной философии искусства: как отличить искусство от реальных вещей, которые искусством не являются, но вполне могут быть использованы в качестве произведений искусства?
2. От традиции к вызову
Чтобы понять, как модернистские художники определяли искусство, важно сначала обратиться к традиционному представлению об искусстве, сформировавшемуся ещё в античности и сохранявшемуся вплоть до середины XX века.
«L.H.O.O.Q.», Marcel Duchamp, 1919.
В определении Платона (IV в. до н. э.) Искусство понимается как подражание видимой реальности, несущее воспитательную и этическую функцию.
Цицерон (I в. до н. э.) Искусство — это совокупность правил мастерства, которым человек обучается.
Классическое определение эпохи Просвещения: Искусство — создание прекрасного, выраженного в чувственных образах, основанное на правилах и идеалах гармонии.
Академическая традиция XIX — первой половины XX века трактовала искусство как: Осознанная творческая деятельность, направленная на создание образов, выражающих эстетическую оценку мира, основанных на мастерстве, идеале и подражании реальности.
Академизм (academic art) — стиль и система художественного образования, выработанные академиями Западной Европы, особенно французской Академией изящных искусств. Главные черты: сюжетность (история, миф), четкая композиция, идеализация фигуры, высокий приоритет рисунка и мастерства как критерия художественной ценности. Академизм доминировал в XIX в. и ставил целью воспроизводство идеалов и культурных нарративов через отточенную технику.
В итоге, традиционное понимание искусства — это основанная на мастерстве и правилах творческая деятельность, направленная на создание чувственно-наглядных образов, которые подражают действительности, выражают идеалы красоты, несут нравственное содержание и оказывают эстетическое воздействие на человека.
В эпоху модернизма художники начали целенаправленно деконструировать эти представления, создавая новые типы арт-объектов.
«Черный крест», Казимир Малевич, 1915 г.
Совокупность факторов — фундаментальные сдвиги в естествознании, интерес к иррациональным аспектам человеческой психики и осознание непредсказуемости социальных процессов — сформировало в общественном сознании новое восприятие реальности как чрезвычайно сложной и непостижимой. Художественное сознание чутко реагировало на все потрясения, что привело к возникновению модернизма — искусства, которое пыталось выразить новое, трагическое мироощущение человека, растерявшегося перед лицом непостижимой сложности жизни.
Модернизм представляет собой совокупность новейших экспериментальных течений в художественной культуре XX века. Несмотря на различия и порой острый антагонизм между ними, все эти направления объединяет схожее понимание сути творчества и опора на ряд общих принципов. По В. Г. Власову, ключевые характеристики модернизма следующие:
Модернизм радикально разрывает с прошлым, традиция теряет для него значимость; новизна становится главной целью творчества и основным критерием ценности художественного результата.
Провозглашается полная творческая свобода и свобода эксперимента в отношении как формы, так и содержания произведения. Это приводит к появлению множества инновационных направлений, которые быстро устаревают и сменяют друг друга.
Пересматриваются отношения искусства с жизнью, художника с публикой. Авангард сопровождается скандалом и эпатажем: произведения призваны шокировать, вызывать недоумение и чувство растерянности. Художник предстает как фигура, возвышающаяся над толпой, неспособной воспринять новое слово в искусстве, при этом оставаясь крайне заинтересованным в реакции зрителей.
Модернизм — это «другое искусство», главная цель которого — создание оригинальных произведений, использующих новые выразительные средства изобразительного языка и основанных на внутренней свободе художника и его особом видении мира.
3.«Осторожно! Произведения искусства!»
Дальше мы рассмотрим работы художников, которые перевернули понимамания искусства в сознании (Дюшан, Роберт Раушенберг, Курта Швиттерса, Рауль Хаусман, Рауль Хаусман)
МАРСЕЛЬ ДЮШАН (1887-1968)
Влияние творческих экспериментов Марселя Дюшана настолько глубоко преобразило понимание искусства в ХХ веке, что в современной науке его фигуру часто воспринимают как одно из самых ярких выражений модернистского духа — и как личность, продолжающую оказывать ощутимое влияние на постмодернистскую эстетику даже спустя долгие годы после ухода художника.
«Полагаю, что художник не знает, что он делает, я придаю большее значение зрителю, он творец искусства». — М.Дюшан
Марсель Дюшан подарил мировому искусству жанр readymade, открыв тем самым для мирового искусства возможность демонстрации в выставочных залах промышленных объектов, не подвергшихся никаким изменениям. Этим жестом он перенес главный творческий акцент с этапа создания произведения искусства на стадию его восприятия зрителем.
«Фонтан», Марсель Дюшан, 1917
«Фонтан» (1917) — писсуар, подписанный «R. Mutt» (mutt в англ. сленге — дурак, болван, идиот), подложивший фундамент концептуального искусства и поставивший вопрос о критериях «художественности».
Жюри на выставке Общества независимых художников в Нью-Йорке экспонировать писсуар отказалось, несмотря на заверения организаторов, что работы всех художников, заплативших конкурсный взнос, будут продемонстрированы публике. Но публика все равно обо всем узнала из газеты. В этой публикации Дюшан разместил письмо, где рассказал о досадном случае. Это событие стало ключевым прецедентом в истории современного искусства, когда обычный предмет был перенесен из бытовой среды в художественный контекст.
Этим жестом он радикально поставил под сомнение саму природу искусства: может ли готовый объект, не тронутый рукой художника или измененный минимально, быть искусством? Достаточно ли одного выбора автора, какие существуют критерии качества, кто их определяет и на каком основании? Так он бросил вызов всей художественной системе.
«В предвидении сломанной руки», Марсель Дюшан, 1915, оригинал утрачен, реплика 1946
Марсель Дюшан рассуждал, что искусство рождается не в мастерской, а в голове. Ему было достаточно обозначить обычный предмет как художественный объект, чтобы бросить вызов всей системе эстетических оценок. Суть искусства — не в форме, а в контексте. На первый план выходит интеллектуальная концепция: идея важнее ее реализации.
«50 куб. см парижского воздуха», Марсель Дюшан, 1919
